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爵士鋼琴課(26):BRAD MEHLDAU TRIO,《BOOMER》


爵士鋼琴課(26):BRAD MEHLDAU TRIO,《BOOMER》

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最近偶爾碰上這張專輯,見及收錄了九首 Mehldau 的原創歌曲,忍不住要租回去端詳細聽。Bred Mehldau 是當代活躍的爵士樂鍵琴手,除了豐腴濃郁的音色及和弦進行,其創作更是充滿驚喜。 聽實體光碟比網上媒介的優點之一,就是封面小冊中的文字介紹。而 Mehldau 竟然認認真真寫了一篇小論文,講述他的靈感來源,還引述了不少樂段作例證。 他先從 J.S.Bach (巴洛克時期作曲家) 的賦格曲 (Fugue) 說起,指自己崇尚的音樂理想,正是這種每個音符都恰得其為、每個音部都是獨立的旋律。到了古典和浪漫時期,這種「對位法」 (contrapuntal) 的技巧已屬落伍,左/右手負責旋律/伴奏的分工越見明顯,Mehldau 為之不齒。唯獨是 Johannes Brahms (浪漫時期作曲家) 的音樂,展示出別樹一幟的天才,其對「轉位」(inversion) 的運用,及得上 J.S.Bach 的美學概念。 然後,他一針見血地刺破了爵士音樂的問題。準確點說,音樂的既定形式,同時是對樂手的限制。最常見的爵士樂演奏,旋律會先出現一兩遍,接續的是各個樂手的即興。這種形式帶來幾個問題: 一、旋律與即興片段沒有連貫性,未能發揮旋律本身的音樂性; 二、樂手以垂直的方式理解和弦音層,忽略橫向的線條發展; 三、樂手傾向重複自己慣用的套語,彼此間欠缺交流和融合。 這也解釋了,為何最為人熟悉的標準曲 (standards),來來去去都只有簡單的和弦基礎。風格被形容為「idiosyncratic」的 Thelonious Monk,固然也寫過琅琅上口的標準曲,不過更怪誕的歌曲如《Evidence》,則幾乎無法超越。不單因爲節拍難掌握,Monk 更加將旋律的動機持續發酵,有如古典音樂般貫穿全曲。 身為一個經歷古典訓練的爵士鍵盤手,Mehldau 的創作意念,一直在探索如何糅合兩種音樂元素,取長補短。當世界都宣稱「爵士樂已死」,他儼如一個偏執的僧侶,在後現代的虛無中堆砌著瓦礫:如何平衡音樂的即興性和連續性?如何理解原著與演繹的關係?何謂真正屬於自己的風格? 終於,他在《House On Hill》中交出了答案:擁有自己的樂隊。創作九首歌曲時,他同時考慮到其餘兩位樂手——他們會怎樣演奏?風格會否吻合?建基於這份默契,Mehldau 視他的三人樂隊為一次藝術實驗,挑戰爵士樂的編曲結構,能否負荷複雜的音樂性。 專輯封面是一幅拼貼照片 (collage),一座山上的石房子。雖然是剪貼湊合而成,但每塊剪影只有輕微的黑白色差,沒有走畢加索式「綜合立體主義」(synthetic cubism) 的大膽路線,反倒有強烈的和諧感。也許這裡實在太多個人主義了,多得人人都急著展現自我,一急就沒有思考與鋪排的餘暇了。聽著想著,Mehldau 確實幹著一件了不起的事。

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如何欣賞爵士樂?

Vector illustration of an afro american jazz singer on grunge background

藝術品味有沒有高低?我相信沒有,差別只是強弱的程度。一般而言的鑑賞學,都有一套(或多套)系統,予人不同角度的衡量參考。但是,這種學院式的框架,有時候顯得過份刻板和深奧,反而成為恫嚇來者的門檻。 因此,我想介紹一套非常容易的步驟,就算沒有樂理基礎的聽眾,也能感受到爵士樂的樂趣。 大部分爵士樂曲的結構,都依照「旋律-即興-旋律」的公式。即興演奏是爵士樂的精神核心,同時是入門者聽得汗顏的部分。這不難理解,因為我們總是全神貫注地,力圖辨認獨奏者的每一顆音符。大腦的這種作業,其實是「transcription」——除非你有驚人的絕對音準和記憶力,否則必定會弄得一頭霧水! 你要克制大腦嘗試「make sense of」音樂的衝動。逐字逐句地閱讀,又豈能明白箇中內容?放鬆下來,先吸收音樂的整體,感受它激起的情緒;然後留意低音貝斯 (bass),那是有助定向的錨點。再聽聽鼓組,如何敲出歌曲的基本節拍;鍵盤或吉他手,又如何配襯和弦?這些元素加起來,就成了音樂的基本概念。 至於即興獨奏部份,又應如何理解?《Jazz Styles》[1] 一書裡,提出了三種方法: 一、把即興當成新的旋律線。在較舊的爵士風格——如大樂團 (big band)、咆勃 (bebop),對即興的旋律性要求較高。那些經常被人模仿的簡短樂句,稱之為「lick」。相反,前衛派 (avant-garde) 或融合爵士樂 (jazz-fusion) 的即興,沒有這麼一板一眼,線條比較抽象。 二、幻想樂曲是同時進行的立體音層。有如指揮家,望著古典樂團的總譜,那是縱向的切割面。對於調式爵士 (modal jazz) 的樂曲,「音層」的描繪更加明顯,例子可參考 John Coltrane 的薩瑟風演奏。 三、一邊聽,一邊哼出原先的旋律。尤其是和弦進行較複雜的曲目,難免會在中途迷失。利用這種方法,可以幫助理解旋律與和弦的關係。 不知何時起,爵士樂跟精品咖啡、葡萄酒等中產象徵掛勾,共同建構出一種資本/文化霸權。無可否認,演奏爵士樂是一門對技藝、智力、甚至天賦的挑戰;但它同時是雅俗共賞的人類瑰寶,記載著一份優雅的反抗,不離地的昇華。 [1] “Jazz Styles: History and Analysis”, Mark C. Gridley, 2009

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甚麼是「爵士樂」?(下)

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「Jazz was the embodiment of the American experience, the American spirit, the American ideal.」(爵士樂標誌了美國的經驗、美國的精神、美國的理想。)《隱形人》作者、美國文化評論人 Ralph Ellison,如此形容爵士樂。[1] 爵士樂的前身是藍調(blues)。藍調起源於19世紀末的非裔美國人社群,融合了黑人奴隸的福音歌曲、民間音樂和民謠。「Blue」在英語裡又解憂愁、悲傷;而偶有巧合地,藍調的主題往往離不開非裔美國人的貧苦生活。歌曲並非全是慘情的小調,對命運的責罵控訴也不常出現,有些更動感得叫人翩翩起舞。然而在演奏者故意偏差的音調、不對位的節奏變化裡,流露出一套完整的生命觀:存在的稀薄無可逃避,我們懷著充分的意識,沈鬱且堅韌地抵抗。[2] 爵士樂源於藍調,但也超越藍調。它沒有粉飾黑人奴隸的慘況,也毋忘自身的非裔根源。不過除此之外,它還揉合了歐洲的音樂元素,變得更大眾化,甚至倒過來影響當時的主流文化。作為非裔美國人的文化圖騰,爵士樂的儀式功能比藍調更強:它記錄了人民的痛苦經歷,然後將之轉化,賦予他們應得的尊嚴。就算我們生活在制度貧窮中,也能活得優雅,也能修練出精神涵養。 爵士樂的演奏形式,同時彰顯著美國的另一份核心價值:民主。每個樂手有自己的聲音,有機會輪流發言,會有衝突但從不喧鬧。君子和而不同,多元的意見才能刺激出靈感,所以每齣表演都是一次即時的「conversation」,無法完全預先操縱。它的美學標準,著重個人性、直覺力(intuition)、即時性(spontaneity),與大堆頭的節慶式萬人合唱,儼然是大相逕庭。 要追溯爵士樂的起源,並提出音樂與社會發展的雙軸關係,複雜得可以寫出數百頁厚的書。不先了解這段歷史,難道就無法欣賞爵士樂了?固然不是,欣賞音樂的方式有很多,從歷史背景入手只是其中一種解讀。不過當你懷著這份意識去聽,你會開始明白甚麼是優秀的爵士樂,甚麼是金玉其外、但欠缺靈魂的炫技。 [1] Ken Burns, “Jazz: A History of America’s Music”. Random House Audio, 2000. [2] Albert Murray, “Stomping the Blues”. Da Capo Press, 1989.  

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